Crítica: Moon

Precedida de un gran éxito en Sitges, "Moon" se estrena por fin en España (aunque de forma limitada) para regocijo de los amantes del buen cine. La ópera prima de Duncan Jones cuenta además con el genial Sam Rockwell como protagonista y el siempre eficiente Clint Mansell a cargo de la fascinante banda sonora de la cinta. El guión, firmado por el también desconocido Nathan Parker, es, junto con la impecable dirección, de lo mejor de la película.

Pocos directores pueden presumir de la madurez de la que hace gala Duncan Jones en su primera película (y no quiero señalar únicamente a Michael Bay, pero ya va siendo hora de reflexionar un poco hombre...). La atmósfera que es capaz de crear, unida a su madurez en las técnicas narrativas cinematográficas, nos hace creer que estamos ante un director bastante experimentado. Además, su minimalista punto de vista sobre la ciencia ficción, sin alardear de recursos técnicos (aunque consigue lucirse en algunos planos), es de agradecer.

Por su parte, Sam Rockwell, en un monólogo interpretativo, confirma con su papel protagonista su indudable talento como actor, además de su gran versatilidad (En "La Milla Verde" está sorprendente, pero siempre me viene a la mente su papel en la menospreciada "Galaxy Quest").

El actor californiano es capaz de cargar con el peso dramático de la película sin aburrir al espectador, algo complicado si tenemos en cuenta qué es prácticamente el único personaje que vemos durante la hora y media de proyección. De la participación de Kevin Spacey no puedo opinar habiéndola visto en versión doblada, pero seguro que es muy interesante.

La partitura de Clint Mansell (muy grandes sus trabajos para Darren Aronofsky, especialmente "The Fountain") acompaña, con un resultado que salta a la vista, las hipnóticas imágenes de la película. Este compositor inglés se está descubriendo como uno de los mejores de los últimos años, sorprendiendo con cada nueva composición (podemos perdonarle su participación en "Doom" y "Sahara", ¿Verdad?).

El apartado visual también es digno de mención. La fotografía y la imaginativa dirección artística, también premiada en sitges, nos meten de lleno en una atmósfera gris (en todos sus matices) que remite directamente al satélite que da nombre al film.

En mi opinión, razones de peso para dejarse caer en el cine más cercano y darle una merecida oportunidad, aunque puede hacerse difícil encontrar una sala donde proyecten la película (y, sin embargo, nos salen Transformers por las orejas). Al frente del proyecto, un director que puede depararnos grandes sorpresas y que, de momento, nos deja esta joya que consigue combinar el tema de la soledad con unos buenos tintes de emoción y suspense, que harán disfrutar a todo espectador que consiga dejarse llevar por esta arriesgada y valiente propuesta.

4.5/5

¡Gilliam lo volverá a intentar!

El Hombre que Mató a Don Quijote podría ser su obra cumbre, aunque es algo dificil de concevir viniendo del hombre que nos ha regalado joyas como Brazil, Doce Monos y el Rey Pescador. El ex-Monty Python ha decidido que retomará la adaptación de "El Quijote de la Mancha" tras casi una década.

Su primer intento de adaptar la obra de Miguel de Cervantes quedó retratada en el divertido documental de 2002 Lost in La Mancha, en el que somos testigos de los numerosos problemas que hicieron que el proyecto se cancelara. En aquella ocasión contaba con Johnny Depp como un viajero en el tiempo y Jean Rochefort como el malogrado protagonista.

Johnny Depp, que ya trabajó con Gilliam en la extravagante Miedo y Asco en las Vegas, y que aparecerá en la próxima película del director, The Imaginarium of Doctor Parnassus, está negociando su aparición en la película, aunque su apretadísima agenda podría impedirselo.

Esperemos que todo vaya bien y podamos ver culminada esta obra que se antojaba brillante. Sin duda, el imaginativo Terry Gilliam puede conseguirlo, siempre y cuando el destino (o el clima español) no vuelva a ponerse en su camino.

Fuente: Variety

¿Remake de "Máximo Riesgo"?

¿Es posible? La original (Cliffhanger, de 1993), una de las películas de mi infancia (sí, infancia), fue una de las mejores películas de acción de los 90 y un vehículo que enderezó la carrera de Stallone. Contundentemente dirigida por Renny Harlin (Die Hard 2) y con un villano de excepción (John Lithgow, protagonista de la serie de 1996 que se extendió 6 temporadas, Cosas de Marcianos), esta entretenidísima película de alpinismo reunía todos los ingredientes para hacerla un clásico.


Ahora, StudioCanal (Saga Transporter) y Neal H. Mortitz (productor de, atención, Stealth, la saga de A todo Gas, Click...) planean llevar a cabo un rejuvenecimiento del clásico que se centraría en un grupo de jóvenes escaladores que se enfrentarían a peligros variados (sic). De momento parece ser que buscan guionista...

"Tal y como han relanzado Star Trek, nosotros lo haremos con Máximo Riesgo", dice, muy convencido, Neal Mortitz. "¿Cual será el próximo objetivo de un ser que compara esta película con la saga de Star Trek?

De momento, Moritz también planea producir un remake del clásico de John Carpenter Escape from New York con $80 millones de presupuesto. Esto empeora por momentos, y hoy mismo me entero de que Dreamworks planea saquear un clásico ochentero como es Noche de miedo (Fright Night, de la que me encargaré en otra entrada).

Y pronto España también empezará con los remakes... preparaos. Fuente: Variety

Paraiso Español

Spanish Paradise es el título de un cortometraje realizado en el instituto Ibañez Martín de Lorca sobre la lacra de el tráfico humano. Dirigido por Patricia Cano y Andrea S. Martínez es, en mi opinión, la gran esperanza de este año de cara al concurso "Las Meninas". Si la competencia es similar a la de años anteriores, no tendrá rival.

Todo un ejercicio de crítica y estudio de personajes al que hay que prestarle atención para captar todo lo que quiere contar. Aquí os dejo con el video protagonizado por Andrea Montiel, que se perfila como un "romperecords" de visitas en youtube:

Vetusta Morla - Autocrítica

La auto crítica es una cualidad adulta, y la carencia de ella puede deberse a un orgullo irracional. Los niños, antes que reconocer sus errores, se taparán la cara con algún objeto, huirán o evadirán el tema.

En esta sociedad caracterizada por la hipocresía es más fácil criticar y remarcar los errores de los demás que reconocer los de uno mismo. Muchos se apoyan en esto como auto ensalzamiento, como salida a su más que dudosa personalidad o como intento de usar los errores de otro de forma cómica. Es más, muchas redes de amistades se basan simplemente en poner verdes a los demás... Una pena, pues "siempre habla el que tiene por qué callar", y no es la primera vez que una persona critica algo que luego cometerá ella misma, sin ser capaz de reconocerlo. A esta capacidad de reconocer los errores, queridos amigos, se le llama auto crítica. Y sí, algunas personas la tienen.

Tras esta digresión os remito a la canción autocrítica de Vetusta Morla, perteneciente a su disco Un día en el mundo. Este grupo madrileño de rock alternativo comenzó su andadura en 1998 y cuenta con 2 discos en el mercado.

Secuelas, remakes y adaptaciones: La Maquinaria Hollywodiense

Secuelas, trilogías, etc: Una "gran" semana para estrenar esta sección. La misma semana en la que vemos inevitable el anuncio de la secuela de "Dragon Ball: Evolution" tras su éxito en Asia, comienza una avalancha de fechas de estreno de secuelas y adaptaciones de cómic aun sin rodar: En mayo de 2010 se estrenará la prometedora Iron Man 2 (veánse Superman 2, Spiderman 2, X-Men 2). Por otro lado, julio de 2011 parece la fecha escogida para estrenar Transformers 3 (con la segunda parte pendiente de estreno en julio). Se lo toman con calma, sin duda.

A la cuarta va la vencida: Spiderman 4 se espera para mayo de 2011. ¿Podrá remontar el vuelo tras el fracaso de crítica que supuso la tercera? Los antecedentes no parecen ser muy prometedores, ya que algo muy parecido sucedió con Superman III, y la cuarta sólo consiguió rematar la saga protagonizada por Christopher Reeve. Mientras, Ted Elliott y Terry Rossio ultiman la trama de la cuarta entrega de Piratas del Caribe, que podría estrenarse en 2012. Esperemos que para esta nueva entrega estén algo más inspirados en el guión. Sin embargo, teniendo en cuenta que la trilogía acumuló 2,6 billones de dólares en todo el mundo (sólo en cine) es lógico esperar una segunda trilogía protagonizada por Johnny Depp... Por último, Misión Imposible 4 parece ser una realidad. Tom Cruise confirmó que se trabaja intensamente en el guión de esta película cuyas anteriores entregas recaudaron 1,4 Billones de dólares en todo el mundo. Habrá que andarse con ojo.

Los peinados ochenteros de la aclamada serie "V"

Equipo V: Parece interesante la idea de ver adaptada al cine la serie "V", aunque no tanto el ver al equipo A convertido en una saga de acción con fórmulas actuales. Eso mismo parece que sucederá con MacGyver, que será llevada al cine a lo grande por New Line Cinema tras un par de telefilms estrenados en 1994. A este paso, en unos meses habrán más noticias sobre secuelas que sobre películas originales, ya que éstas parecen ser una apuesta cada vez más segura de cara a la taquilla. Menos mal que Clint Eastwood y Woody Allen están en forma...

Oren Lavie - Her Morning Elegance

Oren Lavie es todo un artista polifacético. Cantante, compositor, guionista y director de teatro, es el autor del exitazo viral que ha supuesto su videoclip para la canción Her morning Elegance, de su disco The Opposite Side of the Sea.

La canción (la mejor del disco en mi opinión), ya de por sí pegadiza, está acompañada por unas imaginativas imágenes logradas por la técnica Stop-Motion (que parece dominar a la perfección). De esta forma, el cantante ha logrado sorprender al mundo con la frescura de este videoclip, esperanzador donde los haya, que invita a soñar y a pensar en que vivimos en un mundo "menos horrible" de lo que parece.

No hay presentación posible para el espectáculo simplista que es este videoclip. Esperamos más sorpresas de este singular autor. Sin más, os dejo con el video (ver en HD):

Clásicos del cine: The Goonies (1985)

Un mapa escondido, un barco pirata y un tesoro perdido. Una historia sobre la verdadera amistad, el primer amor, sueños, aventuras... Todo esto acompañado por la inmortal canción de Cindy Lauper "Goonies are "R" Enough".

Un grupo de chicos, que se hacen llamar "los Goonies", se embarcan en la mayor aventura de sus vidas. Para los que crecimos con esta película, sólo el escuchar hablar de ella y sus personajes hace que nos invada la nostalgia.

Dirigida por Richard Donner (Superman, Arma Letal), escrita por Chris Columbus (Solo en Casa) y producida por Steven Spielberg, Los Goonies es un ejercicio magistral de entretenimiento y diversión. Un icono de las películas de los ochenta que marcó a toda una generación (niños y no tan niños).

"Goonies never say die"

Ahora que las producciones para todos los públicos (en su mayoría) tratan a las audiencias como retrasadas, es un placer revisionar esta película que ofrece diversión a raudales sin faltar al respeto del espectador (Chunk suelta verdaderas joyitas).

Casi 25 años después, los que eramos niños entonces, hemos crecido, y los actores de la película, o han dado el salto a la fama (Sean Astin fue el Sam de la trilogía de el Señor de los Anillos y Josh Brolin fue nominado al Oscar por Milk, además de haber encarnado a George W. Bush en "W" de Oliver Stone) o se han quedado por el camino (Corey Feldman, que disfrutó de una imagen de niño macarra en el cine, lo intenta sin éxito).

En definitiva, es de esas películas que hacen que te enamores del cine al instante porque es puro cine. O al menos eso me pasó a mí y a toda una generación anterior a mí.

¡Ghostbusters 3!

Ahora que se confirma que Judd Apatow (Virgen a los 40, o la futura Funny People) no está implicado en la secuela de la comedia de culto los cazafantasmas, parece reforzar la idea de que este proyecto está en marcha.

Dan Aykroyd (Blues Brothers), co-guionista y actor en las dos primeras entregas, ha declarado que espera "la producción para finales de otoño de 2009". Esperemos que estas afirmaciones no sean infundadas y podamos disfrutar de la redención de la magnífica película que es Ghostbusters, cuya secuela no cumplió con las espectativas.

Por otro lado, Bill Murray (Lost in Traslation) ha puesto como condición que la película cuente con un guión de su agrado. No es de extrañar tras la decepción que le supuso la secuela.

Así están las cosas. Ni Sigourney Weaver (saga Alien) ni Harold Ramis (director de Caddyshack y Groundhog Day, con Bill Murray como actor) se pronuncian al respecto. Habrá que esperar confirmaciones oficiales. Mientras tanto, sólo nos queda la esperanza de volver a ver a este grupo de actores enfundados en sus trajes de cazafantasmas en el final de la trilogía.

Esperemos que no contraten a un nuevo elenco de actores jóvenes que reemplacen a los originales, porque sino se arriesgan a perder al público (mayoritariamente ochentero) que creció con estas películas. Para ir abriendo boca, aquí os dejo con el homenaje que le rindieron a la saga en Be Kind Rewind (Rebobine por favor), simplemente escalofriante:

Crítica: Gran Torino

Clint Eastwood dirige y protagoniza (quizás su última actuación) esta lección magistral de cine que ha resultado ser su mayor éxito comercial hasta la fecha (en España ha desvancado a Watchmen).

Walt Kowalski, un veterano de la guerra de Corea, es un anciano gruñón y antipático que acaba de perder a su mujer. En su solitaria estancia en un barrio repleto de extranjeros se desatan una serie de acontecimientos que harán cambiar al protagonista y a quienes le rodean.

Gran Torino no es ni una película de acción ni un drama. Es una lección sobre la vida y la muerte que, por otra parte, su extraordinario autor intenta darnos película a película (desde sin perdón a million dollar baby). Es un ejercicio de genialidad y relato clásico que resulta sorprendente para el espectador.

Clint Eastwood domina perfectamente este tipo de historias, y eso se nota durante el metraje. La película se desarrolla con lentitud pero con un gran sentido del ritmo, por lo que resulta muy entretenida.Quizás el único error achacable a esta producción (a mi parecer) es la obviedad de algunos diálogos y situaciones. Estos diálogos, en ocasiones demasiado llamativos, destacan la naturaleza de alguno de los personajes, por lo que tienen un fin claro. Sin embargo, es curioso que uno de los puntos fuertes del film sean las frases sentenciosas y sorprendentes que suelta su gran protagonista, que encantarán al público por su gran comicidad.
Este defecto no empaña el resultado final de esta cinta sobre la amistad y la tolerancia que se reveló como una de las grandes olvidadas de los Oscars (sobre todo la dirección). Un film recomendadísimo para quien busque pasar un buen (buenísimo) rato en el cine y, de paso, aprender una gran lección sobre la vida impartida por este maestro del séptimo arte. Un clásico instantáneo.
9/10

Donnie Darko - My Superhero

Donnie Darko no es una película fácil, por lo que necesitó de su salida en el mercado del DVD para ser aceptada como se merecía: Como una película de culto. Fue todo un fenómeno de masas y, aunque fue aceptada por la crítica, es la clásica película de extremos: odiada o amada.

Dirigida por Richard Kelly y protagonizada por Jake Gyllenhaal, es de visión obligada para cualquier cinéfilo (que serán quienes realmente la aprecien y reflexionen sobre ella). El reparto, pese a ser una producción modesta (costó 4.5 millones de dólares) tiene a varias estrellas que apoyaron la película desde su inicio, como Patrick Swayze o Drew Barrymore, que también produce.

Recomiendo, sobre todo a los que ya hayan disfrutado de la película, este tributo realizado por la montadora Claradarko. Aquí os dejo con él:

Cine y "Cine"

Cuando una persona va al cine, tiene que tener, en cierta medida, sus espectativas claras. Un adolescente, por ejemplo, puede entrar a ver Transformers y dormir tranquilo. Sin embargo, puede salir de ver La Duda y destrozar un par de coches.

El otro día un conocido salió del cine de ver una película "intelectual", y su única opinión sobre ella fue que era "muy rara". No quise saber más. ¿Rara? ¿Por qué? ¿porque hablan? seguramente es rara porque no hay disparos y el montaje no se basa en planos de 5 segundos. A lo mejor es rara porque los personajes hablan entre ellos durante toda la película. Por eso, antes de entrar a ver una película "rara", infórmate y, en su lugar, puedes alquilar American Pie 27, en la que seguro que te lo pasas mejor y piensas menos.

No creo que sean tiempos para el buen cine. Sin embargo, gracias a esta gente una buena película puede hacer una taquilla considerable, siempre y cuando la protagonicen actores conocidos por ellos. Con esto, los demás podremos seguir disfrutando de buenas películas que hagan reflexionar, dudar, pensar... Y, mientras tanto, podremos ir a ver, sin espectativas intelectuales, X-Men Origines: Lobezno.

Eso sí, sin confundirnos, que luego tenemos a una manada de adolescentes que han entrado a ver Revolutionary Road y a los 10 minutos ya los tienes con sus risitas y manoseando el móvil. Esto nos lleva a reflexionar sobre la inteligencia de la gente: ¿No será más barato meterse debajo de un puente (si no tienen casa donde incordiar)? Así, esos 6 o 7€ pueden ir directamente a parar a la compañía telefónica o a pintar la pared, si su hobby es darse cabezazos contra ella. Hay gente (y cabezas) para todo.

¿No hay Joker sin Ledger?

Ya estamos con extremismos. Que Heath Ledger ha creado a un Jocker magnífico es algo obvio. Es sin duda una interpretación que se merece las mejores críticas. Sin embargo este personaje, a pesar de la muerte del actor, da para mucho más. Una idea no compartida por los creadores de la iniciativa "The Ultimate Joker", que recogen firmas para que ningún actor vuelva a encarnar a este personaje.¿Es esta la solución? Fer Barbella, promotor de esta iniciativa, así lo afirma: "Creemos que Heath se merece ese homenaje". De esta forma, se muestra categórico en el hecho de que ningún actor podría mejorar la interpretación de Ledger... pero quizás "mejorar" no sea la palabra.

Es cierto que a nadie le gustaría ver una imitación de la actuación de Heath Ledger, pero hay actores muy versátiles en el Hollywood actual que podrían darle una nueva dimensión al personaje. Un ejemplo muy claro sería Johnny Depp, que sin duda sería muy interesante. O quizás, siendo una apuesta más arriesgada aún, podrían decantarse por el genial Robert Downey Jr. Hagan sus apuestas, no sean dictadores.

Crítica: The Wrestler (El luchador)

Darren Aronofsky es uno de los directores más sólidos del momento. Dejó al mundo impactado con su Requiem por un Sueño, y a la crítica dividida con The Fountain (más en contra que ha favor, algo que yo no comparto). Ahora ha vuelto a ganarse el favor de la crítica con este drama sobre una vieja gloria de la lucha libre que intenta sobrevivir en un mundo adverso.

Protagonizada por un impresionante Mickey Rourke, que crea un personaje perfecto (quizás reflejo de sí mismo), y la ganadora del Oscar en 1993, Marisa Tomei, la película es todo un ejercicio de sobriedad por parte de su director, que encara con mano firme los diferentes temas y ambientes que vemos durante el relato. Y en todo acierta, porque tenemos ante nosotros a un GENIO, así, con mayúsculas.

Sin embargo, es un director que no termina de acertar en la taquilla, aunque es de esperar que tarde o temprano lo consiga. Sin duda, podemos esperar más obras maestras de este neoyorquino, siempre en constante evolución.

La música es de nuevo del contundente Clint Mansell, colaborador habitual del director, que en esta ocasión cumple una función más secundaria que en anteriores películas, ya que la banda sonora incluye varios clásicos del rock que tienen una mayor importancia en la trama.

The Wrestler nos muestra un mundo oscuro, una historia de fracasados, de dolor y sufrimiento... no obstante, en el fondo nos habla de gloria, de optimismo y de la búsqueda del sentido de la vida. Sin duda, es recomendable para todos los que estén dispuestos a pensar (sí, pensar) en el cine entre tanta explosión de blockbusters.

9.5/10

Reflexión sobre True Love!

Echando de nuevo la vista atrás no puedo evitar recordar aquellos inolvidables años de bachiller, donde el tiempo volaba y las clases pasaban a ser sesiones del club de la comedia con Samuel de protagonista. Donde los profesores, como ha pasado siempre, eran objeto de imitación constante y los compañeros eran inolvidables. Así daba gusto ir al instituto.

Tras el relativo éxito de nuestra particular parodia de la saga Saw, se nos propuso realizar un vídeo en la clase de Imagen. Tras un brainstorming bastante curioso, la idea de un musical parecía la correcta, así que nos pusimos manos a la obra. La "inolvidable" canción corrió a cargo del protagonista, que la compuso en piano. Con la canción finalizada, nos dispusimos a encarar el número musical tras un mes rodando planos sueltos. El resultado, espero, será cuanto menos curioso o llamativo.
El mayor problema con el que nos enfrentamos fue la calidad del vídeo. Nos percatamos, una vez rodado el material, de que contenía defectos similares a los de un VHS... Así que la versión de youtube muestra la máxima calidad en versión panorámica. Aquí dejo este experimento para el goce de mis "numerosísimos" lectores:

Clásicos del cine Musical: Top Hat (1935)

Protagonizada por la pareja por excelencia del musical norteamericano, Fred Astaire y Ginger Rogers, Sombrero de Copa es una comedia fresca y entretenida donde los números de baile y la química entre los protagonistas son sus puntos fuertes.

Dirigida elegantemente por Mark Sandrich, la película salvó de la quiebra a la RKO. El guión se apoya en unos personajes cómicos para crear un enredo que provoca carcajadas. Los protagonistas son secundados por unos personajes también geniales.

Top Hat es el perfecto musical de la época, un entretenimiento sin pretensiones, que no obstante ha envejecido perfectamente de cara a las nuevas generaciones. Con musicales como Top Hat uno no puede perder la sonrisa, una sonrisa impregnada de nostalgia, al ver a esta pareja bailando y desafiando las leyes de la gravedad.

Aquí os dejo con el número musical "Isn't This a Lovely Day?", que para mí condensa la esencia de la película. Podría ponerlos todos, pues hay verdaderas genialidades, pero los dejo para el futuro espectador:

Reflexión sobre "Jaw XXI"

En plena moda Saw (hace poco más de dos años), Samuel, Fernando y yo aun estudiábamos 2º de Bachiller. Ya se había estrenado la tercera entrega, y hablábamos sobre lo repetitiva que era la saga. Fue entonces cuando se nos vino a la cabeza el concepto de "Jaw", que contiene un guiño a la saga "Scream". El rodaje sólo nos llevó dos recreos con una cámara de fotos...

Fernando encarna al típico sufrido protagonista de Saw, que esconde algo que se descubrirá al final. Samuel, en cambio, encarna a una suerte de Jigsaw que tiene sus razones, al igual que el malo de "Saw", para hacer lo que hace. El problema, tal vez, es que los acontecimientos del climax del cortometraje acaecen demasiado rápido, por lo que quizás sea difícil de entender el final. Pero para un espectador atento (los hay) será muy fácil de captar. Aquí os dejo con el corto:

Reflexión sobre Cómo Destruir el Mundo

Ha pasado un año del rodaje del cortometraje Cómo destruir el mundo, tiempo más que suficiente para ser juzgado de forma objetiva.

El guión fue concebido como una crítica abierta (pero simbólica) hacia los responsables del polémico cambio climático, de forma que quedase patente (y más que patente) el objetivo de la obra. Este es quizás uno de los grandes errores del cortometraje, la reiteración y subrayación de los malos de la película y las frases demasiado efectistas.

Sin embargo, quizás todo esto queda oculto bajo la gran actuación de los actores, que siempre cumplen con su cometido sin casi indicaciones por mi parte. Como siempre, Samuel J. Roldán se adopta la personalidad de su personaje, como ya hiciera en True Love! y en el posterior Imagina. Quien lo conozca bien verá en este personaje amenazador una antítesis a su verdadera personalidad. Noemí, por su parte, entendió muy bien al personaje y se metió muy bien en su piel.

La fotografía fue uno de los aspectos más "cuidados". Aunque finalmente no es nada demasiado llamativo, la intención inicial era conseguir una imagen casi expresionista, aunque sin perder demasiado realismo. También los efectos especiales debían adaptarse a esto, aunque en el caso del Planeta la idea era que resultase casi de Cómic.

La música es otro de los aspectos más fallidos, pues no pude contar con la colaboración de Samuel y acabé buscandome unas soluciones bastante rudimentarias como podréis escuchar.

Aquí os dejo con este atípico relato, con el que intenté acercarme al cine clásico (aunque muestre repetidamente planos detalle sin demasiado sentido). ¡Espero vuestra opinión!

Réquiem por el Cine Español: Crítica "Las 13 Rosas"

La película "Las 13 Rosas" parte con una premisa sorprendente: La historia se basa en un acontecimiento sucedido poco después de la Guerra Civil Española (5 de agosto de 1939) en el que fueron fusiladas trece mujeres, siete de ellas menores de edad (la mayoría de edad estaba establecida en 21 años). Pero es en el ejercicio de adaptar esta historia a la pantalla donde Emilio Martínez-Lázaro, su director, falla rotundamente.

La ambientación es perfecta, pues capta con gran efectividad la situación de la España de la posguerra. La aceptable fotografía arropa este aspecto. Sin embargo, la cuidada ambientación no oculta el hecho de que la narración sea prácticamente plana, previsible y sensiblera en ocasiones. Las escenas se suceden con lentitud, sin apenas desarrollar unos personajes ya de por sí poco interesantes.

El director se justificaría así sobre sus personajes en una entrevista: "Sus vidas no eran especialmente aventureras; la mayoría de ellas trabajaban en los servicios sociales de la República. No teníamos material para construir una historia muy novelera, pero por otro lado no hacía ninguna falta, ya que la parte novelera del relato es desgraciadamente su tragedia final".

Con esta crítica no me limito a decir que sobran películas sobre el franquismo (que forma parte de nuestro pasado, pero no por ello hay que explotarlo), sino que subrayo la falta de motivación/inspiración que sufren los responsables de nuestro cine, que se limitan a contar historias a las que quizás podrían imprimirles algo más de intensidad... Hay que renovar fórmulas dramáticas tan machacadas como las vistas en esta película, recomendada especialmente a un público poco exigente.

5.5/10

Réquiem por el Cine Español: ¿Torrente 4?

Santiago Segura es muy listo, le pese a quien le pese. Supo aprovechar como nadie la situación de un país fácilmente criticable, el de la "España va bien", con la primera película de su personaje José Luis Torrente, un "policía" corrupto con una total ausencia de valores.

Esto, unido a su efectivo humor ácido y a un entretenido guión, hizo de "Torrente: el brazo tonto de la ley" un exitazo en la taquilla Española. Y con razón. En esta película, Santiago segura hizo de su personaje un símbolo de lo peor de España, criticando por el camino todo lo criticable.

Y, de este éxito, surgieron las inevitables secuelas. "Torrente 2: Misión en Marbella" y "Torrente 3: El Protector"... ¿Qué necesidad hay de una cuarta entrega, cuando la tercera fue destestada incluso por algunos de sus mayores fans? Es de suponer que una necesidad económica, porque "Torrente 4" dará mucho dinero, al igual que las tres entregas anteriores.

y ¿Qué podemos esperar de ésta secuela? Muy fácil: Repetirá los mismos chistes racistas y machistas en el transcurso de una trama de acción fácil, mientras rinde homenaje a la muerte del Fary y hace algún chiste fácil con el hecho de que hay un "negro" en la casa blanca. Esto último confirmado por el mismo director. Torrente vino para quedarse amigos, y avanza a pasos agigantados hacia un remake americano.

En esto se basa el cine Español al fin y al cabo. Un par de éxitos de taquilla al año y otras tantas películas sobre la guerra civil. Con razón dicen que hay que renovarlo... tome nota señor Segura.

Cortometraje: Annie

Estrenado en Youtube en Abril de 2007, Annie es un cortometraje de terror dirigido por Juan A. Poveda, también director, aunque con menos "control creativo", del cortometraje "¿Subo o Bajo?".

La historia transcurre en un instituto donde, años atrás, sucedieron algunos acontecimientos que repercutirán en la vida de los tres protagonistas. El guión, que nos muestra lo sucedido en el pasado en interesantes "flashbacks", fue escrito también por él.

Su primera incursión en el género de terror, el cortometraje sin finalizar "Stranger" fue también una interesantísima propuesta. Las actuaciones no están nada mal, quedando las caracterizaciones muy creibles en la diferencia entre 1997 y 2007. En mi opinión éste es su mejor cortometraje, destacando además sus curiosos efectos especiales y el interesantísimo guión. El cortometraje puede verse aquí:

Celebridades Diferentes: Uwe Boll, o cómo afrontar que eres un pésimo director

En momentos de estudio uno hace lo que sea, y a unas horas de un examen de arte contemporáneo he decidido hablar de Uwe Boll.

Uwe Boll es un director alemán que goza de cierta fama por sus infames adaptaciones al cine de videojuegos de segunda fila.

Actualmente se le considera el peor director de cine del panorama internacional. Esta opinión puede estar potenciada por su carácter antipático y egocéntrico, tendente hacia el narcisismo más puro. Sino, dejémosle expresarse: "si miran a mis películas verán al verdadero genio, verán que yo hago una película como nadie lo ha hecho en los últimos diez años..." (sobran los comentarios).

Este hombre, que posiblemente forme parte de la mafia alemana (puedo demostrarlo), ha estrenado alguno de los fracasos más sonados de los últimos años, entre ellos BloodRayne, Dungeon Siege o Alone in the Dark esta última protagonizada por el siempre inexpresivo Christian Slater (al que le dedica un post un buen amigo que no tiene término medio).

¿Qué hace un director de cine ante un alubión de malas (malísimas) críticas? Otros directores quizás se resentirán o pedirán disculpas, pero Uwe Boll es diferente... él reta a combates de boxeo a quienes peor le critican. Esto hizo durante el rodaje de su película Postal (también abucheada por crítica y público).

El hombre estrena una media de 2 películas por año. Todavía no ha tenido un estreno en cine rentable, pero en el impredecible mercado del DVD sí se ha llevado sus alegrías ( de ahí sus producciones House of the Dead II, Alone in the Dark II y BloodRayne II & III). A su paso ha destrozado ya seis franquicias de videojuegos desde 2003, y no muestra signos de deternerse...

¿Conclusiones sobre este individuo?

1- No ver sus películas: Por lo menos en plan serio, ya que con amigos pueden ser motivo de risas y horas de conversaciones sobre su "narrativa cinematográfica". Si, por alguna casualidad, te gusta su cine, búscate un psicoanalista que él te dirá qué hacer.

2- Es interesante: Siempre tiene algo que decir, y con cada nueva declaración nos sorprende con su impecable lenguaje: "no soy un puto retrasado como Michael Bay" (Michael Bay es Clint Eastwood a su lado).

3- Es peor director que Ed Wood: Uwe Boll maneja unos presupuestos desorbitados que malgasta en actores acabados y en "efectos especiales" (¿efectos especiales?), mientras que Ed Wood era consciente de sus limitaciones presupuestarias y se buscaba sus soluciones por medio del ingenio. Además, Ed Wood tenía la meta de llegar al nivel de Orson Welles, mientras que Uwe Boll ya es, en su mundo de fantasía, el mejor director de los últimos años.

Definitivamente, este mundo no está hecho a la medida de Uwe Boll.

Imagina - Cortometraje

Cortometraje realizado durante las vacaciones de navidad, en el que participan actores consagrados como Samuel Jesús y Antonio Roldán, y actrices noveles como Andrea Montiel.
El cortometraje lanza la pregunta de qué pasaría si John Lennon continuara con vida, aunque todo esto desde la perspectiva de un humor absurdo. Aquí os dejo con el video, espero que lo disfrutéis: